Aplicación de las tecnologías escenográficas en música y danza

La aplicación de las tecnologías escenográficas en música y danza es el arte de realizar decoraciones escénicas, y escenógrafo es el encargado del diseño del decorado, además las escenografías en música y danza forma parte del espectáculo, además de serlo.
Aparte los artificios, que complementan un mensaje determinado, complementan la comunicación entre el creador y el espectador, que son elementos fundamentales en el espectáculo de la escenografía. Todo contribuye a la formación de las nuevas tendencias escenográficas para que los problemas dejen de ser de orden exterior. Las habitaciones se cierran con paredes y plafones, porque el naturalismo exige una realidad ambiente que no se consigue con bastidores y telones de fondo. El gas sustituye la iluminación a vela y aceite. En 1887, el Teatro Libre de Antoine, en París, buscaba la verdad en el decorado haciendo aparecer una fuente de la que brotaba agua durante la representación. Todo estaba preparado para recoger las grandes ventajas que aportaba la electricidad. La transformación había llegado. Existía de hecho una luz que podía exaltar el color, proyectar sombras, crear atmósferas no conocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena. 

La música en el cine, publicitaria y de ambientación

La música en el cine es llamada una industria, la industria del cine;  hay una evolución desde el cine de blanco y negro, y además mudo hasta el actual. el cine sonoro tiene su comienzo con el vitáfono, invento de Alexander Graham Bell, que permitía grabar la melodía y la película en dos "discos" diferentes y posteriormente al proyectarlo se sincronizaba. Años después Graham Bell inventa el photophone un paso más en el cine sonoro, ya que permitía transmitir la voz usando la luz. Los compositores más importantes son  John Williams, que ha compuesto bandas sonoras de películas como: Tiburón, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Star Wars, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Memorias de una geisha, Harry Potter, Inteligencia Artificial entre muchas otras. y Ennio Morricone director de orquesta italiano. Es mundialmente conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas, como también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el malo (1966) o Hasta que llegó su hora (1968). No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso son catalogadas como auténticas obras maestras.
La música publicitaria o también llamado spot publicitario es recomendable que tenga música para que tenga éxito y que la persona que escuche una determinada canción la relacione con un determinado anuncio y además consiga vender más de ese producto. Dentro de este tipo de música esta la música corporativa, que tiene letra y es fácil de recordar y se divide en librería que es una canción seleccionada y en jingle que es una música creada para ese tipo de anuncio.
La música de ambientación o también llamda de inmobiliario se usa para las tiendas y tienen un determinado ritmo, para conseguir que compres algo o a una determinada velocidad.

Los nuevos instrumentos y la tecnología aplicada a la música

Los nuevos instrumentos aplicados a la música va dependiendo de la época y según van pasando los años hay en paralelo un avance cualitativo, estos instrumentos nuevos son mecánicos y sus creadores consideraban necesario incorporar nuevos timbres a la paleta orquestal. La nueva tecnología aplicada es un desarrollo de la música electrónica, que puede grabar, manipular y reproducir el sonido con fines compositivos; y la creación y aparición del sintetizador y el ordenador marcan un antes y un después en la época e historia de la música electrónica ya que a partir de ellos se originan nuevas técnicas que permiten controlar con precisión los parámetros de altura, intensidad, timbre y duración.

Vanguardia española y generación del 51

La vanguardia española tiene un mimetismo con la plástica y la generación del 51, se sienten herederos del la generación del 27, se conoce al grupo de compositores nacido entre 1924 y 1938, que definió en España la modernidad en el campo de la música, tras la estética nacionalista de principios de siglo. Centrados en Madrid y Barcelona, aquel movimiento tuvo en cierto mimetismo con la plástica.La generación del 51, compuesta por jóvenes heterogéneos que rondaban la veintena, tuvo como misión hacer visible cuál debía ser el papel de la música en consonancia con las vanguardias europeas. El lanzamiento del grupo comienza al inicio de los cincuenta, pero no se puede hablar de una postura vanguardista al menos hasta una década después, en 1959, con el uso del lenguaje serial. Los primeros movimientos se manifestaron en Barcelona y Madrid a través de grupos como Juventudes Musicales en Madrid en 1952, Nueva Música en 1958, Música Abierta, Tiempo y Música, Alea, etcétera. Sus compositores más importantes son Juan Hidalgo, que fue discípulo de John Cage, que en 1964 crea el grupo ZAJ, y mezclaba música concreta; Ramón Barce que en 1965 crea un nuevo sistema armónico denominado nuevo sistemas de niveles; Carmelo Bernaola, que apartir de la década de los 70 crea su propio lenguaje desde el atonalismo y el serialismo; y Luis de Pablo, de Bilbao, autodidácta, que crea técnicas nuevas y origina soluciones de gran originalidad.

Música en España a finales del s.XIX y mediados del s.XX

La música en España, es una decadencia de ésta, en esta época surge una reacción en contra hacia lo extranjero, que se pudo observar en como la ópera perdió audiencia y la zarzuela tuvo un auge en esta etapa de España, debido a los nacionalismos. En la generación del 98, Manuel de Falla fue un compositor de ballet, en Granada su mayor obra fue "Atlántida" que no la llegó a terminar él, porque Ernesto un autor de la música escénica en España lo terminó. En la generación del 27, autollamada la generación de la república, su mayor representante es Rodolfo Halffter, la influencia y las músicas andaluzas pierden importancia y por el contrario la música vasca comienza a tenerla.
La música escénica en España tiene dos tipos, el teatro ligero y el género chico, estos dos tipos estan influenciados por los nacionalismos, como consecuencia hay una versión más folclórica y tienen partes habladas y cantadas, sus autores más representativos son Eslava, Arrieta, Barbieri, Bretón y Chapí.

Postserialismo: Indeterminación y aleatoriedad

La música escrita a partir de la década de 1960 suele denominarse como pos-serial, término que parece atribuir al serialismo una importancia desproporcionada, teniendo en cuenta el limitado epacio de tiempo que dominó la composición occidental contemporánea. Pero la designación es apta debido a la posición histórica especial que ocupó el serialismo como el último desarrollo composicional compartido por un número suficiente de compositores de diferentes escuelas estilísticas y nacionalidades. Por este motivo se puede decir que el serialismo ha representado una especie de lenguaje musical común e incluso "universal", al igual que el neoclasicismo ha sido internacional al alcanzar y asumir un carácter oficial. Por el contrario, la indeterminación, en su forma más radical, practicada por John Cage, nunca disfrutó de este estatus; a comienzos de la década de 1950 fue visto como un movimiento marginal. Se expandió con cosas que no se usaban antes, sus autores importantes  son Luigi Dallapicola, que fue discípulo de Webern; Edward Elgar de estilo romántico, siguiendo la línea de Brahms y de Bejamin Britten, sin obras complicadas; Lutosvlaski, el cual crea nuevas estructuras. Todos estos compositoress experimentaron el serialismo imperial. En España como mayor exponente e introdustor del serialismo es Roberto Gerard.

Música electroacústica y música concreta

Música electroacústica surge como consecuencia de la incorporación del sonido eléctrico como parte de la composición musical y en su estudio, diseño y análisis. Además se puede definir como todo tipo de música que utiliza la conversión de una señal acústica en eléctrica y viceversa. Stockhausen fue un compositor alemán reconocido principalmente por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, aleatoria y composición serial. Tomó contacto con compositores del dodecafonismo como Paul Hindemith en Darmst, también con el serialismo, con Messiaen.
Música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron hechos por Pierre Schaeffer. Esta música está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron tratar los sonidos de manera separada y manipularlo cortándolo, pegándolos y superponiéndolos y finalmente combinando los sonidos resultantes. Pierre Schaeffer fue un compositor y teórico francés, reconocido como el originador de la música concreta, el desarrollo de esta música fue facilitado gracias al surgimiento de nueva tecnología musical en la Europa posterior a la 2ªGuerra Mundial, como eran el acceso a micrófonos, cintas magnéticas y fonógrafos con el que Schaeffer realizo Cinco Estudios sobre Ruidos. Además desarrolló una práctica estética centrada en torno al uso del sonido como primer recurso en la composición. Enfatizaba con la importancia del juego en la creación de la música.