Aplicación de las tecnologías escenográficas en música y danza

La aplicación de las tecnologías escenográficas en música y danza es el arte de realizar decoraciones escénicas, y escenógrafo es el encargado del diseño del decorado, además las escenografías en música y danza forma parte del espectáculo, además de serlo.
Aparte los artificios, que complementan un mensaje determinado, complementan la comunicación entre el creador y el espectador, que son elementos fundamentales en el espectáculo de la escenografía. Todo contribuye a la formación de las nuevas tendencias escenográficas para que los problemas dejen de ser de orden exterior. Las habitaciones se cierran con paredes y plafones, porque el naturalismo exige una realidad ambiente que no se consigue con bastidores y telones de fondo. El gas sustituye la iluminación a vela y aceite. En 1887, el Teatro Libre de Antoine, en París, buscaba la verdad en el decorado haciendo aparecer una fuente de la que brotaba agua durante la representación. Todo estaba preparado para recoger las grandes ventajas que aportaba la electricidad. La transformación había llegado. Existía de hecho una luz que podía exaltar el color, proyectar sombras, crear atmósferas no conocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena. 

La música en el cine, publicitaria y de ambientación

La música en el cine es llamada una industria, la industria del cine;  hay una evolución desde el cine de blanco y negro, y además mudo hasta el actual. el cine sonoro tiene su comienzo con el vitáfono, invento de Alexander Graham Bell, que permitía grabar la melodía y la película en dos "discos" diferentes y posteriormente al proyectarlo se sincronizaba. Años después Graham Bell inventa el photophone un paso más en el cine sonoro, ya que permitía transmitir la voz usando la luz. Los compositores más importantes son  John Williams, que ha compuesto bandas sonoras de películas como: Tiburón, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Star Wars, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Memorias de una geisha, Harry Potter, Inteligencia Artificial entre muchas otras. y Ennio Morricone director de orquesta italiano. Es mundialmente conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas, como también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el malo (1966) o Hasta que llegó su hora (1968). No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso son catalogadas como auténticas obras maestras.
La música publicitaria o también llamado spot publicitario es recomendable que tenga música para que tenga éxito y que la persona que escuche una determinada canción la relacione con un determinado anuncio y además consiga vender más de ese producto. Dentro de este tipo de música esta la música corporativa, que tiene letra y es fácil de recordar y se divide en librería que es una canción seleccionada y en jingle que es una música creada para ese tipo de anuncio.
La música de ambientación o también llamda de inmobiliario se usa para las tiendas y tienen un determinado ritmo, para conseguir que compres algo o a una determinada velocidad.

Los nuevos instrumentos y la tecnología aplicada a la música

Los nuevos instrumentos aplicados a la música va dependiendo de la época y según van pasando los años hay en paralelo un avance cualitativo, estos instrumentos nuevos son mecánicos y sus creadores consideraban necesario incorporar nuevos timbres a la paleta orquestal. La nueva tecnología aplicada es un desarrollo de la música electrónica, que puede grabar, manipular y reproducir el sonido con fines compositivos; y la creación y aparición del sintetizador y el ordenador marcan un antes y un después en la época e historia de la música electrónica ya que a partir de ellos se originan nuevas técnicas que permiten controlar con precisión los parámetros de altura, intensidad, timbre y duración.

Vanguardia española y generación del 51

La vanguardia española tiene un mimetismo con la plástica y la generación del 51, se sienten herederos del la generación del 27, se conoce al grupo de compositores nacido entre 1924 y 1938, que definió en España la modernidad en el campo de la música, tras la estética nacionalista de principios de siglo. Centrados en Madrid y Barcelona, aquel movimiento tuvo en cierto mimetismo con la plástica.La generación del 51, compuesta por jóvenes heterogéneos que rondaban la veintena, tuvo como misión hacer visible cuál debía ser el papel de la música en consonancia con las vanguardias europeas. El lanzamiento del grupo comienza al inicio de los cincuenta, pero no se puede hablar de una postura vanguardista al menos hasta una década después, en 1959, con el uso del lenguaje serial. Los primeros movimientos se manifestaron en Barcelona y Madrid a través de grupos como Juventudes Musicales en Madrid en 1952, Nueva Música en 1958, Música Abierta, Tiempo y Música, Alea, etcétera. Sus compositores más importantes son Juan Hidalgo, que fue discípulo de John Cage, que en 1964 crea el grupo ZAJ, y mezclaba música concreta; Ramón Barce que en 1965 crea un nuevo sistema armónico denominado nuevo sistemas de niveles; Carmelo Bernaola, que apartir de la década de los 70 crea su propio lenguaje desde el atonalismo y el serialismo; y Luis de Pablo, de Bilbao, autodidácta, que crea técnicas nuevas y origina soluciones de gran originalidad.

Música en España a finales del s.XIX y mediados del s.XX

La música en España, es una decadencia de ésta, en esta época surge una reacción en contra hacia lo extranjero, que se pudo observar en como la ópera perdió audiencia y la zarzuela tuvo un auge en esta etapa de España, debido a los nacionalismos. En la generación del 98, Manuel de Falla fue un compositor de ballet, en Granada su mayor obra fue "Atlántida" que no la llegó a terminar él, porque Ernesto un autor de la música escénica en España lo terminó. En la generación del 27, autollamada la generación de la república, su mayor representante es Rodolfo Halffter, la influencia y las músicas andaluzas pierden importancia y por el contrario la música vasca comienza a tenerla.
La música escénica en España tiene dos tipos, el teatro ligero y el género chico, estos dos tipos estan influenciados por los nacionalismos, como consecuencia hay una versión más folclórica y tienen partes habladas y cantadas, sus autores más representativos son Eslava, Arrieta, Barbieri, Bretón y Chapí.

Postserialismo: Indeterminación y aleatoriedad

La música escrita a partir de la década de 1960 suele denominarse como pos-serial, término que parece atribuir al serialismo una importancia desproporcionada, teniendo en cuenta el limitado epacio de tiempo que dominó la composición occidental contemporánea. Pero la designación es apta debido a la posición histórica especial que ocupó el serialismo como el último desarrollo composicional compartido por un número suficiente de compositores de diferentes escuelas estilísticas y nacionalidades. Por este motivo se puede decir que el serialismo ha representado una especie de lenguaje musical común e incluso "universal", al igual que el neoclasicismo ha sido internacional al alcanzar y asumir un carácter oficial. Por el contrario, la indeterminación, en su forma más radical, practicada por John Cage, nunca disfrutó de este estatus; a comienzos de la década de 1950 fue visto como un movimiento marginal. Se expandió con cosas que no se usaban antes, sus autores importantes  son Luigi Dallapicola, que fue discípulo de Webern; Edward Elgar de estilo romántico, siguiendo la línea de Brahms y de Bejamin Britten, sin obras complicadas; Lutosvlaski, el cual crea nuevas estructuras. Todos estos compositoress experimentaron el serialismo imperial. En España como mayor exponente e introdustor del serialismo es Roberto Gerard.

Música electroacústica y música concreta

Música electroacústica surge como consecuencia de la incorporación del sonido eléctrico como parte de la composición musical y en su estudio, diseño y análisis. Además se puede definir como todo tipo de música que utiliza la conversión de una señal acústica en eléctrica y viceversa. Stockhausen fue un compositor alemán reconocido principalmente por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, aleatoria y composición serial. Tomó contacto con compositores del dodecafonismo como Paul Hindemith en Darmst, también con el serialismo, con Messiaen.
Música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron hechos por Pierre Schaeffer. Esta música está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron tratar los sonidos de manera separada y manipularlo cortándolo, pegándolos y superponiéndolos y finalmente combinando los sonidos resultantes. Pierre Schaeffer fue un compositor y teórico francés, reconocido como el originador de la música concreta, el desarrollo de esta música fue facilitado gracias al surgimiento de nueva tecnología musical en la Europa posterior a la 2ªGuerra Mundial, como eran el acceso a micrófonos, cintas magnéticas y fonógrafos con el que Schaeffer realizo Cinco Estudios sobre Ruidos. Además desarrolló una práctica estética centrada en torno al uso del sonido como primer recurso en la composición. Enfatizaba con la importancia del juego en la creación de la música.

El serialismo integral en Europa

El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creado por el que fue discípulo de Olivier Messiaen, Pierre Boulez, usándolo por primera vez en su obra "Estructuras I" se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora). Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. El centro del serialismo integral fue Darmstadt, a cuyos cursos de verano de música nueva asistió buena parte de los compositores representativos de esta corriente (Boulez, Stockhausen, Messiaen, Berio, Luigi Nono, el italiano Bruno Maderna, el belga Henri Pousseur, los alemanes Wolfgang Fortner y Hans Werner Henze y el austríaco-estadunidense Ernst Krenek). Boulez, en sus Estructuras 1 para dos pianos, controla distintos parámetros musicales con base en las permutaciones de una serie original de doce números. Los parámetros a los que recurre son la altura, ritmo, dinámica y ataque. En cuanto al ritmo, la primera nota tiene valor de fusa, y a cada nota siguiente añade el valor de una fusa, de modo que cada nota de la serie va teniendo una duración más larga. Del mismo modo, se establece una altura, una dinámica y un ataque distintos para cada una de las doce notas de la serie. Así, prácticamente la mayor parte de las posibilidades creativas están determinadas desde la serie original, casi automáticamente. En sus composiciones posteriores, Boulez desarrolló una técnica mucho menos rígida, sin tantas predeterminaciones, flexibilizando su técnica serial.
“Stockhausen favoreció en los años cincuenta la utilización de estructuras seriales para controlar las características más generalizadas de la organización a gran escala. En sus Gruppen para tres orquestas, desarrolló la técnica grupal de composición. Utiliza una serie básica que consta de una sucesión de proporciones numéricas que gobiernan la extensión de las secciones formales, los tiempos de estas secciones e incluso elementos de la textura tan generales como el ámbito global de las alturas de cada segmento, el número de eventos dentro del segmento, la velocidad de estos eventos, etc. En este método, la personalidad musical de un grupo venía definida fundamentalmente por sus cualidades estadísticas globales en vez de por la combinación, o suma, de sus elementos puntillistas individuales”.

La música utilitaria

Música utilitaria se utiliza para la música que existe no sólo por sí misma, sino que fue compuesta con alguna finalidad específica, identificable. Este propósito puede ser un acontecimiento histórico particular, como un acto político o de una ceremonia militar, o puede ser más general, como con la música escrita para acompañar la danza o la música escrita para ser interpretada por aficionados o estudiantes.
El compositor Paul Hindemith es probablemente la figura más identificada con esta expresión, que parece haber sido acuñada, no en el ámbito de la composición sino en el de la musicología.
La preeminencia que toma el problema socio-político después de la primera guerra mundial en Alemania, supone una revalorización de la realidad, entendimiento desde un punto socio-político, no desde el punto de vista idealizado de tipo individualista, propio de la música romántica. Los músicos se plantearon la participación en este proyecto teniendo en cuenta, además, el problema del alejamiento del público a partir de la evolución del lenguaje musical iniciado a principios de siglo XX, que había dirigido la mayor parte del público hacia el consumo de productos culturales deficientes ofrecidos por la industria cultural de la música, con características de concentración monopolista y de expansión mundial.
Así surgió el concepto de Gebrauchsmusik (música utilitaria), en el intento de utilizar el lenguaje simplificado del consumo de masas para crear productos accesibles a todos. Esto se vio ayudado por la tradición, antigua y viva, del cabaret berlinés, en el que durante los años veinte se había introducido la influencia del jazz.

El dodecafonismo

El dodecafonismo significa música de doce sonidos es una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que no establece jerarquía entre las notas. La música tradicional y popular actual suele ser tonal, y por lo tanto tener una nota de mayor importancia, respecto a la cual gravita una obra. Cualquier sistema tonal implica que unas notas se utilizan mucho más que otras en una melodía. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra. Históricamente, procede de manera directa del atonalismo libre, y surge de la necesidad que había a principios del siglo XX de organizar coherentemente las nuevas posibilidades de la música y enfocarla a nuevas sensibilidades emergentes. 

Arnold Schönberg fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1933, escribió su apellido con la otra grafía alemana posible, Schoenberg. Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del siglo XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena.

Los cambios en el lenguaje musical

Los cambios en el lenguaje musical viene dado por una concepción filosófica del sonido, en la que hay una mayor objetividad, importancia sobre todo y una revalorización de las cualidades del sonido. En la cual la altura, es decir , la melodía es característico de la música occidental, sin embargo, en el siglo XX se quita, como veremos en el sistema dodecafónico de Schoenberg; la duración, es decir, el ritmo es característico del continente africano. sobretodo en el África subsahariana; la intensidad, es decir, la expresividad del sonido es característico de la música oriental, en Asia; y por último el timbre, es decir, la voz y la emisión del sonido es creada a través de los nuevos instrumentos que se irán creando a medida que se va desarrollando la tecnología y con ella la música.

Teatro musical, origen y desarrollo del jazz

El musical es un género teatral o cinematográfico en que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas. Es una forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y que se representa en grandes escenarios. El origen de esta palabra es angloestadounidense. A lo largo del siglo XX tuvo un inmenso éxito, sobre todo en la ciudad de Nueva York. El musical tiene su origen en las clases bajas de la sociedad estadounidense y se desarrolla como una forma de teatro dirigido a las masas y para un público muy diverso. Su estructura y estilo permite que el espectador sea capaz de seguir el espectáculo como en un vodevil (teatro de variedades), dando como resultado una representación más simple y fácil de entender que la prosa tradicional. En los años 30, la Gran Depresión afectó el público teatral a ambos lados del Atlántico, ya que la gente tenía poco dinero para gastar en entretenimiento. Sólo unos cuantos espectáculos superaron una permanencia en Broadway o en Londres de 500 representaciones durante la década. El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos. Existen tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

• Una cualidad rítmica especial conocida como swing;
• El papel de la improvisación;
• Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una difícil forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo.

Impresionismo, expresionismo y atonalidad libre

El Impresionismo nace como una evolución a ultranza del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir. La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado. El positivismo acarrea una concepción de objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica.

El expresionismo es una manera de inclinar la balanza de un cuadro desde la forma hacia la expresión del contenido. Potenciar el impacto emocional del espectador a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc. Pinturas expresionistas las podemos hallar desde los inicios del arte, siempre que respondan a esta intención de moldear la realidad para volcarse sobre la emoción interior. Así, los rostros de la pintura románica son plenamente expresionistas o las esculturas medievales de monstruos del infierno. Según entraba el siglo XX el expresionismo se definió más como corriente característica dentro de los "ismos" de la vanguardia, o mejor, en oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista del cubismo. Estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la literatura: Schoenberg puso música a muchas exposiciones del primer grupo expresionista.

La atonalidad libre implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras de este período incluyen la ópera Wozzeck de Alban Berg y Pierrot Lunaire de Schoenberg. La segunda fase, que se inició después de la Primera Guerra Mundial, fue ejemplificado por los intentos de crear un medio sistemático de componer sin tonalidad, lo más famoso posible el método de componer con 12 tonos o la técnica dodecafónica. Este período incluyó Lulu de Berg y Lyric Suite, Concierto para piano de Schoenberg, su oratorio Die Jakobsleiter y numerosas piezas pequeñas, así como sus dos últimos cuartetos de cuerda. Schoenberg fue el principal innovador del sistema, pero su alumno, Anton Webern, se afirma como anécdota que ha comenzado vinculación dinámica y el tono de color de la fila primaria, por lo que las filas no sólo de lanzamientos, sino de otros aspectos de la música también. Sin embargo, el análisis real de las obras de doce tonos de Webern ha fracasado hasta ahora para demostrar la verdad de esta afirmación. Un analista llegó a la conclusión, después de un examen minucioso de las Variaciones para piano, opus 27, que mientras que la textura de esta música puede parecerse superficialmente que de alguna música serial, su estructura no lo hace. Ninguno de los patrones dentro de las características non pitch separados sentido audible en sí mismo. El punto es que estas características siguen jugando su papel tradicional de la diferenciación.